Música de las regiones de Medelpad y Escania, piezas tradicionales junto con composiciones propias, influencias barrocas y un ambiente de música de cámara.
Uno de nuestros favoritos en esta posada.
Y como bonus, el playlist del flamante álbum 2025 junto a Ulrika Bodén, para eschuchar online.
"Al unir las melodías tradicionales de Bretaña con la tradición vocal escocesa, Kornog ha creado un sonido revolucionario, a la vez grácil y emocionante, antiguo y contemporáneo. Sus complejos y texturizados arreglos dieron lugar a una nueva y excitante música acústica, y su influencia aún resuena en todo el mundo celta y más allá.
Kornog estuvo a la vanguardia de un nuevo movimiento en Bretaña para ampliar la música y llegar a nuevos públicos. Su instrumentación (flauta, violín, guitarra y bouzouki) es única entre las bandas bretonas y son uno de los pocos grupos totalmente acústicos. Con la música de baile como centro, pero arregladas para escuchar en lugar de bailar. Han adaptado las partes de bombarda y biniou para ajustarse a las diferentes exigencias del violín y la flauta, y han añadido acompañamientos de guitarra y bouzouki que también resaltan la belleza de las melodías. Se trata de un nuevo estilo que da a las melodías un sonido más suave y fluido sin sacrificar el ritmo. Se ha tomado libertades estilísticas con el material tradicional. Han ralentizado el tempo en las melodías para resaltar la interacción entre los distintos instrumentos,
En 1981, el cantante escocés Jamie McMenemv formó Kornog con el guitarrista bretón Soïg Siberil y el violinista Christian Lemaître. El flautista Jean-Michel Veillon se unió a la banda al año siguiente. Fue uno de los primeros grupos bretones en girar y grabar en América, y su éxito no tuvo precedentes. Durante la década de 1980, grabaron cuatro aclamados álbumes y realizaron giras por toda Europa y Norteamérica. En 1985, Gilles Le Bigot sustituyó a Soïg Siberil a la guitarra, y el grupo siguió girando con gran éxito durante dos años más. Sin embargo, su talento individual les valió numerosas invitaciones para colaborar con otros músicos celtas y, en 1987, se disolvieron para dedicarse a sus proyectos en solitario. Muchos años después, Kornog se ha vuelto a formar con el guitarrista Nicolas Quemener para iniciar una nueva etapa en su carrera. Su sonido característico sigue empujando los límites de la música tradicional bretona hacia nuevos territorios, confirmando que siguen estando a la vanguardia de la floreciente escena musical de la región.
Como el río en Bretaña que le da nombre, "Korong" (del cual Kornog toma como anagrama) se adentra en el corazón de un paisaje musical único." (Notas Cds)
1. Gavotten Ar Menez 2. Sir Aldingar 3. Toniou Bale 4. Ronds de St. Vincent 5. Trip to Flagstaff 6. Dans Plinn 7. Gavotten 8. Varbishka Ratchenitza 9. Ma Wee Wee Croodin Doo 10. Ridees A Six Temps 11. Ton Bale, Laride de Grand-Champ 12. Air Du Mene - Ronde De Loudeac 13. Ton Ar Marc'h Houarn Kaer - Dañs Plinn 14. Kiowa Flag Song, Ronds De Loudeac 15. Suite des Montagnes 16. Dans A Sailheu - Endro 17. Ridee_Tour 18. Laride_Kejaj 19. Gavotte Pourlet_Laride-Gavotte 20. Child Noryce 21. Là-Bas dans La Prairie_Ronds De Saint-Vincent 22. Air Pour Faire Pleurer la Mariee_Gavottes 23. Gwriziad Difennet 24. Gouel Hollvedel 25. Feunteun Zen 26. La Belle Elenore_Les Filles de Saille 27. Ar Plac'h Diw Wech Eureujet_Dañs Fisel 28. Thessaloniki Taxi 29. Kolo Stara Vlajna 30. Al Letanant Schmitt o Kimiadiñ ar 5ved Kompagnunez 31. Dans Pinn 32. Dans Loudieg (Live) 33. Ton Bale _ Son Ar Rost (Live) 34. Dans An Dro (Live) 35. Jesuitmont (Live) 36. Ton Bale Mur Ha Dans (Live) 37. Gwerz Ar Marc'Hadourig Bihan _ Autrefois Disait Un Guerrier _ Ton Derobee (Live) 38. Laride _ An Dro (Live) 39. War Hent Kerrigouarch'H _ Sheriffmuir (Live)
Jamie McMenemy: Voz, bouzouki, mandolina Christian Lemaître: Violín, viola Jacky Molard: Violín Jean-Michel Veillon: Flautas de madera, low wistle, bombarda, bansuri Soïg Siberil: Guitarra Nicolas Quemener: Guitarra, voz
Compilado de nuestra posada de esta gran banda bretona en la variante más melódica y gaélica en cuanto a sonido e intrumentación (compartiendo estilo e integrantes con Pennoù Skoul), priorizando en su amplia mayoría las piezas instrumentales, pero incluyendo algunas canciones destacables.
El
repertorio de Fernhill abarca el folk galés, inglés, pasando por el
bretón, interpretado de manera contemporánea y con la particular, melancólica
voz de Julie Murphy. También aparecen algunas baladas románticas sin
quedar para nada fuera de lugar gracias a su distintivo e irresistible
timbre vocal. Incorporando
sonidos de jazz con el devenir de los álbumes, sin quedar sólo en
pequeñas intervenciones o improvisaciones, sino que a partir de su
cuarto álbum "Hynt" la
trompeta se incorpora a la formación y toma un lugar de protagonismo,
llegando a ser desde ese momento y hasta la actualidad un sonido
característico, complementándose a la jazzística voz cantante de manera
increíble; las canciones Grey Cock y Wasod son sólo un par de ejemplos, sin llegar a abandonar la tradicionalidad o la canción folk. Un extenso compilado, en parte porque las canciones tienen duraciones mas amplias de lo habitual y
porque había demasiado buen material para elegir. Una excelente manera
de acercarse por primera vez a la música de esta gran banda,
recomendando siempre la mejor experiencia que es la de escuchar los
álbumes completos. Hemos dejado de lado el álbum en vivo, salvo una
excepción, no por falta de interés, al contrario, estupendas versiones
de la primera etapa de la banda se encuentran allí, con el
acompañamiento esta vez de la trompeta de Tomos Williams.
1. Ffarwel i Aberystwyth
2. Cowboi
3. Brigg fair
4. Ridees Pastwn mawr
5. Le gabier de Terre-Neuve
6. Lloer dirion
7. Llatai
8. Daniel Sgubor
9. Blacksmith
10. Gladez & Katell
11. Cariad
12. Whilia
13. Fi Wela
14. Dole Teifi
15. Cariad fel y Mor
16. Impo
17. Wasod
18. Grey Cock
19. Gwalch
20. Adar
21. Diddan
22. Forest
23. Glyn Cynon
24. Y Fwynlan O Serch
25. Like The Snow
26. Folantein
Julie Murphy: Voz
Andy Cutting: Acordeón
Ceri Rhys Matthews: Gaitas, cittern, laúd, clarinete, oboe
Jonathan Shorland: Flauta. En "Llatai" (1998): Flauta, Oboe,
Y un muy buen día se reunieron dos integrantes de los magníficos Hoven Droven y la maravillosa voz de Emma Härdelin para hacer la más pura y despojada música tradicional, alejada de los sonidos rockeros de los primeros y de las formas más modernas de hacer música folk, aunque de profundas raíces tradicionales, de Garmarna.
Más que una simple compilación de nuestra casa, ha quedado como un completo recorrido por la trayectoria de la banda, en lugar de ser únicamente un "esencial". Una hora y cincuenta minutos donde no dejamos en el camino ninguna pieza o balada destacada o que creamos merezca la más cuidada atención.
1. Gammel Sara
2. Tusen tankar
3. Mjölnarens måg
4. Om dagen står du städs för mig
5. Lapp-Nils Polska
6. En vacker vän
7. Julvisa Från Älvdalen
8. Staffansvisa Från Orust
9. Torspar-Julaftas-Våggvisa 10. Det Blir en Julhelg Glad 11. Staffanvisa Från Jäntland 12. Adventspsalm 13. Veit 14. Lihll-Pe i Floa 15. Barnamörderskan 16. Guds fruktan,Steklåt 17. Älskaren i gluggen 18. Nu haver denna dag 19. Den gråtande drängen 20. Tordyveln, Polska 21. Solen sig sänker 22. Majvisa 23. Gammal og grå 24. Uti Friska Gräset Gröna 25. Dryckesvisa 26. Brännvinet 27. Karna 28. Visa Från Raukasjö 29. Lillade Anna 30. Sparvens Visa 31. Gubben Och Gumman 32. Om Jag En Gang Skall Ha En Man 33. Skolsang 34. Lantflickans Klagan 35. Var Blommar Fridens Stangel
Emma Härdelin: Violín, voz Kjell Erik Eriksson: Violín Janne Strömstedt: Harmonium
"Meldis fue fundada por Anastasiya Papisova. A mediados de los años 90, fue la primera en llevar al amplio escenario ruso el antiguo instrumento de los bardos: el arpa celta (irlandesa) que aprendió de forma independiente y autodidacta inspirada por la música de Alan Stivell y Clannad. Las arpas celtas no estaban disponibles en Rusia, pero la adquirió a través de una amistad que tenía en Francia. Su primera actuación como arpista celta tuvo lugar en el escenario de la Casa Central de Artistas en el primer Festival de Música Celta en Rusia en junio de 1998. Fue también la primera de este género en su país en ser invitada de gira a Irlanda, cuna de este instrumento, donde actuó con éxito en Dublín y Belfast, siendo reconocida en suelo irlandés. En 2009 tuvo una destacada participión en el concurso de arpa celta "Camac Trophy" en el marco del principal festival celta mundial "Festival Interceltique de Lorient". En abril de 2016 estuvo presente en el Festival Internacional de Arpa de Edimburgo. Meldis no es solo Anastasia, es un trío (arpa, guitarra, percusión) que interpreta música folclórica de manera contemporánea. El repertorio incluye canciones y música de Irlanda, Bretaña, Escocia, Inglaterra, España, así como canciones populares y de autor en ruso." (Meldis.ru)
1. Carolan's Welcome 2 Ramble's to Cashel, Planxty Captain O'Kane 3. Cruel Sister 4 Lorient 5. Stivell 6. Prince Yaouank 7. Flying to the Fleadh 8. Sweeper's tune 9. Inspired by Gwerz 10. Trinquons nos Verres 11. Ar Soudarded 12. The Peacock's Feather, Swallow's Tail 13. Chanter tune, Tha Mi Sgith 14. Песня Девушки 15. Marche des Charbonniers, Maneo da Ulla 16. Son ar Sistr 17. Planxty Eleanor Plunkett 18. Aililiu na Gamhna 19. Bleimor le Bagad 20. Cad é sin don té sin 21. Trotto 22. Горы Довре (Dovre Mountains) 23. Пiду в садочок - нарву квiточок (I'm Going To The Garden) 24. Take Five 25. Jigs (Inishowen - Pull The Knife And Stick It Again - Morrison's - Debhair An Rinceoir) 26. Buain a'choirce 27. An Dro 28. La P'tite Fee 29. Martxa Baten Lehen Notak 30. Gavoplinn 31. Зеленый Дол (Zeleny Dol)
Formación actual: Anastasia Papisova - Arpa celta, arpa eléctrica, flauta, voz Anastasiya Grachenkova - Violin Alexey Rozhkov - Percusión
Antiguos miembros: Alexey Pytsky - guitarra, voz Anton Kozlov - guitarra Yuri Sergeev - percusión Konstantin Zaitsev - guitarra Anton Rotar - guitarra, bajo Alexander Makarov - percusión
1. Constantin Gherghina - Doina De Pe Valea Cernei 2. Florea Pascu - Ca Pe Lunca 3. Florea Pascu - Corbea 4. Ion Laceanu - Cine Trece Pe 5. Ion Laceanu - Briu 6. Ion Laceanu - Doina 7. Dumitru Farcas - Simpra Oilor 8. Taraf Hodac - Joc Batuta Lui 9. Taraf Hodac - Joc De Bota 10. Taraf Mociu - Horea Oilor 11. Taraf Mociu - Joc Tiganesc Inirtita 12. Ion Marches - Polca De Invirit 13. Nicolae Nemes - Ardeleana De Doi 14. Mariora Mut - Nu-I Motru CA Stiu Cinta 15. Andrei Popa - Hora Secerii 16. Lucretia Hort - Hora Pacurarului 17. Ensemble Tulnicarese - Sipotul Zdirnaita In Doi 18. Taraf De Haiduks - Sus La Paru Dintre VII 19.Taraf De Haiduks - Turceasca 20. Taraf De Haiduks - Rind De Hore 21. Fanfare Ciocarlia - Hora De La Bucuresti 22. Fanfare Ciocarlia - Geamparale 23. Fanfare Ciocarlia - Ciocarlia
Nos vestimos con nuestro mejor uniforme hillbilly, echamos mano a varios compilados, agregando algunos clásicos y pioneros, junto a otros renovanores que llevaron a este género a un nivel de virtuosismo verdaderamente espectacular y, como en este lugar la intención nunca fue limitarnos estrictamente a los estilos propuestos en nuestra portada, aunque sí mantener cierta línea (o eso creemos), dejamos por aquí esta, nuestra compilación bluegrass para nada rigurosa o especializada pero sí afinada de principio a fin en sus excelentes 75 tracks. No debería sorprender o extrañar demasiado teniendo en cuenta que es una música que tiene sus raíces en la de los inmigrantes irlandeses, escoceses, galeses e ingleses que llegaron y se establecieron en Norteamérica, mas precisamente en la zona de los Montes Apalaches, sino que resulta de lo más familiar en los sonidos de violines y muchos de sus ritmos puramente folk. El instrumento distintivo y que no pertenece a las mencionadas raíces, aunque se lo suele utilizar en lo que actualmente llamamos música celta, el banjo, es sin duda el protagonista y nuestro favorito, por este motivo la mayoría de las canciones que hemos elegido incluyen endemoniados ("agospelados" para los creyentes:) ritmos pasados de revoluciones con este instrumento que caracteriza el género. ¡Huid visitantes que no soportéis este maravilloso y campesino sonido o atreveos a escuchar las épicas notas que Earl Scruggs, Jeremy Stephen, Bela Fleck, Tom Adams y Tony Trischka, entre otros, extraen de sus cuerdas! La mandolina, el otro instrumento de referencia, también tiene su omnipresencia, en principio de la mano del padre del Bluegrass, Bill Monroe. Y, por supuesto, hay grandes voces y baladas en un recorrido de tres horas y media que probablemente nadie termine nunca de escuchar, con muchas joyitas a lo largo del camino.
11. Ralph Stanley & The Clinch Mountain Boys - Two Coats
12. Rafe Stefanini - I've Got No Honey Baby Now
13. The Bluegrass Album Band - Lonesome Moonlight Waltz
14. Bill Monroe - Cripple Creek
15. Jim & Jesse & The Virginia Boys - Chicken Reel
16. The Country Gentlemen - Matterhorn
17. Tony Rice - I've Waited As Long As I Can
18. Lester Flatt & Earl Scruggs - Cheyenne
19. Emerson & Waldron - Shiloh
20. Jeremy Stephens - Hard Times
21. Bela Fleck - Crossfire
22. Longview - Brighter Mansion
23. Bill Monroe - Sally Goodin
24. Rhonda Vincent - Lonesome Wind Blues
25. Lester Flatt & Earl Scruggs - Molly and Tenbrooks (The Race Horse Song)
26. Tony Rice - Misty Morning
27. J.D. Crowe & The New South - Nashville Blues
28. Larry Sparks - Gospel Train
29. The Bluegrass Album Band - River Of Death
30. Bill Monroe - Fire On The Mountain
31. Jeremy Stephens - The Storms Are On The Ocean
32. Hazel Dickens - You'll Get No More Of Me
33. The Mccoury Brothers - My Sweet Love Ain't Around
34. BelaFleck - Natchez Trace
35. Lester Flatt & Earl Scruggs - Bill Cheatham (Instrumental)
36. Ralph Stanley & The Clinch Mountain Boys - Gloryland
37. The Osborne Brothers - Ruby (Are You Mad at Your Man)
38. The Seldom Scene - Little Georgia Rose
39. Tony Rice - Stoney Point
40. Jim & Jesse McReynolds - Paradise
41. Lester Flatt & Earl Scruggs - Home Sweet Home
42. Osborne Brothers - Rocky Top
43. Ralph Stanley & The Clinch Mountain Boys - Pretty Polly
44. Jeremy Stephens - The Scarlet Banjo
45. Tony Rice - Home from the Forest
46. Lester Flatt & Earl Scruggs With The Foggy Mountain Boys - John Hardy Was a Desperate Little Man
47. Bill Monroe & His Bluegrass Boys - It's Mighty Dark For Me To Travel
48. Bela Fleck - The Legend
49. Ralf Stanley- Clinch Mountain Backstep 50. Tony Trischka With Scott Vestal - Doggy Salt 51. Ross Nickerson - Garcia 52. Ralph Stanley -Oh Death 53. Bill Emerson - Cowboys And Indians 54. Kenny Baker - First day in town 55. Don Stover - Rockwood Deer Chase 56. Bill Keith - Beating Around The Bush 57. Tony Rice - Blackberry Blossom 58. Hazel Dickens, Alice Gerrard - Banjo Picking Girl 59. Lester Flatt & Earl Scruggs - Randy Lynn Rag 60. Bill Emerson - Trail Dust 61. Tony Trischka - Fox on the Run 62. Bela Fleck - Rocky Road 63. Ross Nickerson - Roundhouse 64. Tom Adams - Three Sailors From Dublin 65. Tom Adams - Foggy Mountain Rock 66. Lester Flatt & Earl Scruggs - Ground Speed 67. Ralph Stanley - Man of Constant Sorrow 68. Ralph Stanley - John Henry 69. Bill Emerson - Appalachiana 70. Tony Trischka with Earl Scruggs - Farewell Blues 71. Bill Monroe - In The Pines ( 1952 version) 72. The Osborne Brothers - Nine Pound Hammer 73. Ross Nickerson - Gunslinger's Blues 74. Arthur Smith & Don Reno - Feudin' Banjos ('Dueling Banjos' Original Version) 75. Eric Weissberg & Steve Mandell - Dueling Banjos (Deliverance, 1972 OST)
Culminamos la temporada estival en el hemisferio sur con un doble e imperdible (al menos para los que habitamos esta fonda) programa nórdico. Comenzando con un álbum de antología, la super agrupación vocal que en 1997 reunió a Agnes Buen Garnås, Eli Storbekken, Sinnika Langeland, Halvor Håkanes, Anne Marit jacobsen bajo el nombre de Det Syng!, interpretando magníficas baladas en esas particulares y tan distintivas voces, tanto solistas, como en cantos compartidos. Para continuar con el segundo (e irrepetible, por el tiempo y dedicación empleados) compilado artesanal de nuestra posada con 56 piezas, en su gran mayoría baladas, con interludios de hardingfele, flautas, arpa de boca y langeleik, de una duración total de 1h 40min. No encontraremos aquí demasiadas piezas reconocidas para el oído mas "internacional" o contemporáneo de este género, o de esas canciones que parecieran salidas directamente de la banda de sonido de una película, pero sí un increíble festival medieval de piezas regionales, rurales, marchas, canciones de cuna, religiosas y de danzas. A manera de ilustración, dejamos una traducción, entre amateur y virtual, de un resumen de un par de interesantísimos textos que reflejan y detallan las costumbres orales, instrumentales y de las danzas noruegas contenidas en el material compartido en ambos archivos. El texto es más extenso, con una introducción que se remonta y hace algunas breves alusiones a las sagas vikingas, para luego dedicarle varios párrafos a la música eclesiástica. Publicamos aquí lo relacionado a los cantos y baladas; los interesados que quieran leer el resto del artículo (resumen del mismo), lo dejamos incluído dentro de la compilación, con las disculpas del caso por errores de traducción, interpretación o directamente ignorancia. No hacemos esto como "entendidos" en el tema, si no todo lo contrario, de simples aficionados con demasiado gusto e interés por este género musical en particular. Que lo disfruten. Regresaremos, probablemente, con las primeras nevadas... que veamos por tv o en películas, porque por este lugar sólo podemos pretender que el rocío de la madrugada nos pegue en nuestro yelmo de lana, mientras bebemos una cerveza fría de escarcha, a plena intemperie y en formación cerrada de escudos. Skol!
“...Una gran cantidad de canciones populares noruegas se asocia con el llamado de animales de granja, especialmente aquellos que fueron enviados a pastar durante los meses de verano en los prados de alta montaña, acompañados por su chica o chico pastor que vivió durante este período en un chalet de montaña, el seter (o sæter). Otras melodías asociadas con bodas, bailes, tranquilizar a los niños, festivales religiosos, etc., se encuentran más en formas instrumentales. Si bien es habitual dividir la música popular en vocal o instrumental, estas categorías se superponen con frecuencia: por ejemplo, una canción puede interpretarse con el violín o dos tocando juntos, y algunas piezas instrumentales pueden vocalizarse en ausencia de un violinista, algo así como la "música de boca" escocesa. Las melodías de establecimiento o sæter son todas llamadas de un tipo u otro. El lokk era para los animales, por ejemplo, el kulokk o el llamado de las vacas, mientras que el laling y el huving eran para llamar o hacer contacto con la gente desde cierta distancia, algo parecido al yodelling en las regiones alpinas, y más específicamente el huving era a menudo un grito individual que identificaba a un pastor en particular. Estas canciones bordean un grito en lugar de una canción y carecen de una forma musical definida. Debido a la proximidad a un grito, muchas veces parece casi imposible transcribir el sonido a un instrumento. Los tonos de cuarto e intervalos irregulares son comunes en estas llamadas. Musicalmente, el lokk es el más interesante y, como el mantenimiento de animales domésticos en Noruega se remonta a unos dos mil años, es casi seguramente el más antiguo. Nils Grinde es de la opinión de que las 'características tonales y melódicas de muchos de los viejos lokk confirma que pertenecen a la más antigua tradición de la música folklórica'. El lokk no tiene una forma claramente definida, pero se construye a partir de motivos cortos que son improvisados por el pastor. Hay diferentes llamadas dependiendo del animal que se está criando, como las llamadas de cabras, llamadas de vacas y ovejas. En algunas formas, exige al cantante un grado espléndido de coloratura y gran virtuosismo para dar saltos de una octava o más en la línea vocal. Sin embargo, no todos los lokk son tan complicados, y obviamente mucho habría dependido de la habilidad del cantante individual para desarrollar y adornar las llamadas. OM Sandvik , en su libro sobre la región de Østerdal (citado por Nils Grinde), describió una forma de ku-lokk que escuchó, donde una seter-girl llamaba a diferentes animales por nombres. Sandvik también se preguntó si algunos motivos podrían considerarse intentos de imitar el “lenguaje” propio de los animales. El huving (otras veces hujing o hauking ) y el laling (o liljing) eran formas de lokk utilizado para llamar a la gente, pastores a pastores, por ejemplo. El huving a menudo era un fragmento particular de melodía que identificaba a una persona específica, mientras que en algunas zonas el laling también se usó antifonalmente en una especie de conversación musical. De la música asociada con otras tareas domésticas, una de las formas que aún sobrevive en varias áreas es la bånsull (a veces bådnlåt) o la canción de cuna. Al igual que en el lokk , la simplicidad o complejidad de la melodía es un asunto individual, pero generalmente las melodías se construyen a partir de pequeños fragmentos, tienen un rango vocal limitado y, en ocasiones, cierto elemento de improvisación. Son uno de los géneros folclóricos más sentimentales, aunque aún cumplen un propósito muy práctico.
Stev es un término frecuentemente encontrado en la música noruega. Esta es una canción para una estrofa tradicional de cuatro líneas que se encuentra en la poesía popular noruega, interpretada en patrones métricos específicos y cantadas a un cierta cantidad de antiguas melodías. Hay miles de estos pequeños poemas, aunque se cantan a un número relativamente pequeño de melodías. Sólo unas cuarenta melodías stev tradicionales se conocen hoy en día. Se agrupan por temas tales como la sabiduría, el amor o la naturaleza. Magnus Brostrup Landstad, cuya colección de antiguas baladas escandinavas, Norske folkeviser, se publicó en 1853, divide stev en dos grupos, viejos y nuevos, que difieren en el esquema de rima y en el número de tensiones en cada línea. La forma antigua, gammelstev, se remonta al menos a las sagas del siglo XIII, mientras que la nueva forma más literaria, nystev, se ha desarrollado desde el siglo XVII. Los ajustes musicales de la forma nystev se caracterizan con frecuencia por una anacrusa de tres notas. Hay muchos ejemplos de formas de nystev, esas formas son utilizada con frecuencia por los escritores que tratan de evocar un atmósfera del 'viejo mundo'. El título general folkeviser (folk-songs, canciones populares), como en muchos idiomas, cubre una amplia variedad de formas desde antiguas hasta comparativamente modernas, pero en Noruega el término se usa generalmente para las baladas que tienen sus raíces en la Edad Media. Probablemente llegó a Noruega desde Inglaterra durante los siglos XII y XIII, junto con los kjededans (baile en cadena). La forma se hizo popular en muy poco tiempo, primero tomada como una tendencia de moda entre la nobleza, pero que pronto se extenderá a todas las clases de la sociedad.
A pesar del aparente préstamo de Inglaterra, con la traducción y reescritura que implica, las melodías conocidas en la actualidad parecen típicamente noruegas en estilo, y la misma canción puede ser cantada a diferentes melodías en varias regiones del país.
El viser está dividido de acuerdo con su tema y etiquetado en consecuencia: kjempeviser son canciones de batalla, historiske viser son relatos históricos; trollviser (también llamado tryllviser) concierne a los trolls y la brujería; Heilagviser son canciones sagradas; ridderviser, cuentos de caballeros y el amor cortés, y skjempeviser, canciones bromistas o burlonas.
Heilagviser siempre fueron para textos católicos, mientras que religiøse folketoner (melodías folclóricas religiosas) eran para textos protestantes. Folketoner no es música folk en el sentido puro, porque los textos son usualmente escritos por nombrados poetas y las melodías remodelación de otras, y descritas como "tradicionales". Estas canciones religiosas se refieren a la vida de los santos y las historias bíblicas , o son cuentos morales, en los que el inocente triunfa y el mal es castigado. WJ Entwistle escribe en European Balladry que 'el ascenso del viser' corresponde con el cambio fundamental en la prosodia de la aliteración (tan frecuentemente encontrada en la poesía nórdica antigua) a la asonancia, y este cambio debe haber tenido lugar durante el siglo XII. Pero gran parte de la poesía aliterativa más antigua continuó siendo escuchada, y con tanta frecuencia y aceptación que se ha transformado en viser.
Algunos de los mismos temas de héroes y figuras sobrenaturales continúa desde los tiempos históricos hasta los tiempos modernos; Entwistle dice: 'En Noruega en particular, donde las condiciones de vida son peculiarmente prohibitivas, baladas de maliciosos trolls y kobolds son tan numerosas que constituyen una marca distintiva de la región. Los relatos más antiguos de dioses fueron reemplazados por los relatos escalofriantes de peligros naturales y horrores; por ejemplo, el mar tragándose barcos y marineros. Incluso la fe cristiana no fue suficiente para disipar el miedo a los trolls y dragones, elfos y sirenas, y una atmósfera de misterio se transmite frecuentemente con gran habilidad.
Las iglesias de madera, que datan del siglo XI, también muestran una fascinante mezcla de lo cristiano y lo pagano, decoradas con cruces y cabezas de dragones, como si los adoradores quisieran estar absolutamente seguro de su protección contra los enfermos, sea cual sea su origen.
Hay por todas partes en el viser una seriedad singular; incluso el skjempeviser no es totalmente alegre como lo resume Entwistle, 'se explotan las emociones más serias con ingeniosa maestría: el amor tan fuerte como la muerte, los celos, la muerte, la traición, y el horror oculto de un mundo malvado'. Es fácil ver la continuación de la tradición en obras literarias más modernas, como en las de Ibsen “Peer Gynt” y “Haugtussa” de Garborg.
Independientemente del texto, las melodías permanecen casi sin cambios. Las baladas son similares en estructura al stev, excepto que la balada popular tiene un estribillo. En el momento en que se recogieron y transcribieron las baladas, las danzas que una vez acompañaron a muchas de ellas fueron olvidadas, reemplazadas por nuevas danzas introducidas en el Renacimiento. También hay ejemplos de baladas más nuevas de épocas más recientes en claves mayores o menores estándar.
Las canciones de himnos también desempeñan un papel importante en la música popular noruega. Fueron introducidos durante la Reforma, y cuando los himnarios protestantes llegaron a Noruega, la gente inventaría espontáneamente nuevas melodías para acompañar las letras. Una diferencia principal entre los himnos y las baladas es que los himnos tienen autores identificables del texto. Los himnos se propagaron de una parte de la ciudad a otra por los viajeros, y se modificaron casi en cada paso del camino. Esto dio lugar a una enorme colección de canciones de himno en toda Noruega. Incluso cuando los corales alemanes originales eran reconocibles, se embellecían y las cadencias se modificaban para ajustarse a las prácticas modales.
De la música instrumental, hay que mencionar las danzas, el slåtter, cuyos ritmos distintivos se encuentran a veces en las canciones de Grieg, así como en sus piezas instrumentales. Del slåtter que también se cantaban, algunos tenían textos, mientras que otros se cantaban sin palabras, usando vocablos sin significados o improvisados.
Todos se dividen en dos grupos principales: los de tiempo triple y los de tiempo doble. El slåtter en 3/4 también se llama springar; tienen un pulso rítmico fuerte y, a menudo, un segundo tiempo acentuado. De la versión doble , el halling es generalmente en 2/4 (con un solo acrobático de hombre), y el gangar más majestuoso en 6/8.
La tradición de la danza de Noruega es inseparable de las tradiciones musicales, ya que la mayoría de la música instrumental proviene directamente del slåtter, o canciones de baile. Un slått se refiere a los bailes campesinos clásicos de Noruega. El impulso rítmico de los movimientos de baile inspiró a muchas melodías. Slåtter son el reemplazo principal de los bailes de baladas antiguas, y casi todos los bailes que están relacionados con la música folclórica de hoy en día fueron creados en tiempos mucho más recientes por personas interesadas en revivir la conexión entre el baile y la canción. La mayoría de las slåtter están acompañados por los vibrantes sonidos del Hardingfele.
Instrumentos noruegos:
La música popular noruega y las melodías fueron influenciadas grandemente por los instrumentos del día. El “sonido noruego” proviene principalmente de la imitación de instrumentos antiguos que se utilizaron, como el lur, bukkehorn, seljefløyte, langeleik, y la Hardingfele. Estos instrumentos tenían sonidos y propósitos específicos relacionados principalmente con tareas prácticas en un día típico. Muchas canciones se hicieron para imitar los sonidos de instrumentos comunes, a veces el único propósito es la falta de un instrumento real para usar.
Una breve descripción de algunos de estos instrumentos sirve para explicar el origen de ciertas prácticas populares modernas.
El lur es casi seguro el instrumento escandinavo más antiguo. Ha sido representado en tallas que datan de 1000 aC, y los ejemplos de bronce encontrados en las excavaciones en Noruega y Dinamarca se remontan al siglo II aC. Aparentemente siempre hecho en pares, lur se asume originalmente que se han hecho a partir de los colmillos de mamuts, aunque existían otras formas utilizando materiales de otros animales, por ejemplo cuernos de cabra. Curiosamente, las boquillas en forma de copa del lur, que son una parte compuesta del instrumento, son muy similares a los utilizados con los instrumentos de latón.
El lurvikingo es un largo tubo de madera estrecho de aproximadamente un metro o más de longitud, que se toca como un instrumento de latón o bronce, algo similar al cuerno alpino, enrollado alrededor con corteza de abedul, que se menciona en las sagas. Los intervalos de tres cuartos dados por el lur tuvo mucha influencia en otros instrumentos folclóricos y la música que producían. Produjo la segunda a la sexta u octava parte de la serie de armónicos y se usó para criar animales junto con el bukkehorn, también tocado como un instrumento de metal.
La seljefløyte, también conocida como flauta de sauce, se sostiene como la flauta moderna, pero no tiene agujeros para los dedos. Se toca variando la fuerza del aire soplado en la boquilla, con el extremo del tubo cubierto por el dedo o dejado abierto, y reproduce lo que se llama una escala natural o acústica, una escala compuesta por las primeras siete clases de tonos en la serie de armónicos.
El langeleik uno de los primeros instrumentos de cuerda, se parece a un dulcimer o cítara. Consiste en un resonador de madera o caja larga y estrecha con ocho o nueve cuerdas, una de las cuales es una cuerda melódica. Las otras están sintonizadas a un acorde. Las primeras referencias al langeleik son del siglo XVII, aunque puede haber llegado a Noruega ya en los años 1400 o 1500. Se pulsa con una púa de hueso, una cuerda toca la melodía y las otras cuerdas proporcionan un acompañamiento de fondo, generalmente en una quinta abierta o en una tríada mayor.
Quizás el instrumento más importante de la tradición popular noruega sea el Hardingfele, o el violín de Hardanger. Este es en realidad el más joven de los instrumentos folklóricos, se cree que se ha desarrollado en su forma actual en algún momento entre 1550 y 1650. Más pequeño que el violín orquestal, los instrumentos son, como el langeleik, frecuentemente muy decorados, con pintura en la madera e incrustaciones de nácar en el diapasón.
Lo que distingue a este instrumento del violín moderno son las cuerdas adicionales (cuatro, a veces cinco cuerdas adicionales) debajo de las cuatro tradicionales, que vibran en simpatía. Lange y Ostvedt revelan que "debido a las cuerdas adicionales, el cuello del violín es más ancho y más corto, la caja de clavijas más larga, la espalda más arqueada, la barriga más alta y el puente más plano para facilitar paradas dobles, o tocar cuerdas al mismo tiempo." La afinación de las cuatro cuerdas superiores no permanece fija como en el violín de hoy. Hay más de 20 afinaciones conocidas para el violín de Hardanger , y un hábil violinista a menudo empleará alrededor de una docena de estas afinaciones. Ostvedt señala: “Las cuerdas inferiores suelen estar sintonizadas en el Do Re Mi Sol que pertenece al acorde principal. Estas cuerdas inferiores vibran cuando se tocan las cuerdas superiores, creando una pequeña armonía, eco o zumbido a partir de las vibraciones simpáticas. Tipo de sonido que prevalece en la música popular noruega y se ha identificado estrechamente con ella. Se da un punto de pedal debajo de la melodía, que se canta o toca, creando muchas disonancias y sonidos no tonales. El hardingfele a menudo se afina más alto que el violín convencional, a veces tanto como un tercio menor.”
Fuentes: “The Songs of Edvard Grieg”. Beryl Foster 1990. “Folk Traditions in the Solo Piano Music of Geirr Tveitt” by Karali Hunter 2014.
1. Eli Storbekken - Lokk
2. Sinikka Langeland - Jykke
3. Agnes Buen Garnås - Lokk
4. Halvor Håkanes - Laling
5. Anne Marit Jacobsen - Lokk
6. Agnes Buen Garnås, Anne Marit Jacobsen - Det Syng_Inga Litimor
7. Agnes Buen Garnås - Det Hjalar Eit Viv
8. Anne Marit Jacobsen - Å Veit Du Den Draum
9. Halvor Håkanes, Sinikka Langeland - Nøkken
10. Anne Marit Jacobsen - Du Skal Ikkje Fæle Den Svale Nott
11. Agnes Buen Garnås, Halvor Håkanes, Eli Storbekken - Agneta Og Havmannen
12. Agnes Buen Garnås, Sinikka Langeland - Horpa
13. Eli Storbekken, Anne Marit Jacobsen - Mjukt Som I Gråt_Nattergalen
14. Halvor Håkanes, Anne Marit Jacobsen - Prinsessen
15. Halvor Håkanes, Anne Marit Jacobsen - Fanteguten
